www.artistinterviewingartist.com

Lisa Bialac Jehle is an artist living in los angeles here is a selection of her work and interview enjoy

Tim: what are your favorite materials/cameras to work with

lisa: For 14 years I worked almost exclusively with silver. In the past two years I have moved up to gold. Bad timing with the price shooting up, but I love the material. It has a warmth and depth to it that silver just can’t quite get to.

I also carve fossil walrus tusk. I made large scale sculpture earlier in my life. I see my work as small sculptures.

tim: what artists are you inspired by

lisa: in my field I love Daniel Brush, Michael Zobel, Linda Kindler Priest, Namu Cho. Outside of my field, there are too many to name.

tim: tell us about your educational background. Do you have formal training in art

lisa: I was apprenticed to a stone sculptor here in California when I was in my teens. I left for France at the age of 17 and attended the École Nationale Des Artes Decoratifs in Nice France for graphic design. I returned to America and attended the College of William and Mary, majoring in Psychology, then transfered to Old Dominion University in Norfolk, VA majoring in Art, making steel sculptures. Many years later I attended Santa Monica City College, where I worked in ceramics, took classes in glass blowing, and won a mentor’s scholarship. I graduated from UCLA Cum Laude in 1992 with a degree in Design…..There, my emphasis was on Ceramics. I made large scale ceramic sculptures with raku accents. Strangely enough, I have only taken one 6 week city college night class in jewelry.

tim: When did you decide to pursue art?

lisa: Always. I had planned to be a dancer, I danced from the time I was 4. I continued dancing until I was around 17, when I made the choice to move to Europe for the first time to pursue art. Europe seemed natural as I had been sent to France alone at 15 for a summer to attend cooking school by my father, who thought I might end up as a chef.

As a 14 year old, I had taught weekend drawing classes to younger kids. At 16 year old, I worked drawing illustrations for a newspaper and later I illustrated cookbooks. I made my living for the first part of my adult life (over 21), as a singer. First singing backup on tours, and then as a session singer on albums. Later, I toured and recorded with Tim Hardin, then I moved to Europe. Amsterdam, Berlin, where I worked as a lead singer for two very popular bands, recording and touring in Europe for the next several years. When I quit singing in the 80’s. Making things again seemed like the most obvious thing for me to turn to.

tim: is there anything else you would like to tell us about your background in regards to how your art has evolved?

lisa: As a child, my family was deeply involved with Native Americans. My uncle has one of the largest private collections of Native American art in the US. Because of being surrounded by that art and that culture, I was often on reservations or around Indian people as a small girl.

The Indian artists I was frequently left with when I was a child, took time out to teach me how to make things, and how to live life. In Native culture, art is an integral part of daily life. I think that because as a little kid I was so enmeshed with Indians, their everyday lives, and culture it is why I dance, I sing, I draw and sculpt. Their lessons and examples are now why I make jewelry. I never really understood why anyone would choose another way of living their life.

Another strong influence is nature. For a time when I returned to the US from europe, I worked in a plant nursery. One of my only “straight” jobs that I have ever held in my life. Color, balance, and form were things I learned from working with plants everyday. I also think that working closely with nature taught me to try and have a sense of silence in my work if that makes any sense?

tim:this part is for you to ask yourself a question or write
anything fun nonsense anything you want as long as you want

lisa: I am always fascinated that artist seem to live outside of the mainstream of the planet, documenting it from the edges. There seems to be such a strong division of people who do and people who watch. I could no more work 9 to 5 in a cubicle than I could flap my arms and fly. On the other hand, I do have non-artist friends who are very happy at their jobs, and can’t figure out why I would choose to live what they consider to be an “unstable” life.

Of course, they are the ones who buy my jewelry…

tim: can you go into detail about your artistic process? How do you begin a piece? When do you know that a piece is finished?

lisa: Most pieces are already in my head. The job is to take them out of my brain and force them into metal and stone. Once in a while I draw a piece out, but sketching a piece out makes me feel as though I have made a checklist that I have to follow. Once in a while I draw the work first, and then make multiple drawings with several options. I like to feel fluid while I work.

I suppose I think of every piece that I make as a prayer. There is always a beginning a middle and an end. When I feel a balance met inside of me when looking at the piece, I know the work is complete.

tim: how does contemporary life impact your creative practice?

lisa: I don’t really live much of a contemporary life. I live on a mountain top in the country in the middle of the city of Los Angeles, five minutes from the beach. I have chickens, and goats, situated on a small ranch. My property is full of fruit trees. I can the fruit in the summer. I bake all of the bread and make all of the baked goods in the house. Everything is done from scratch here. Much like my jewelry. I do all of the carving in my work. The pieces are entirely fabricated not cast. Findings are made by hand as well.Work is mostly one, or some-of a kind. I am not particularly contemporary. Neo-neo-luddite is more like it.

tim: Tell us more about the philosophy behind your art. What motivates you to create?

lisa: I can never remember a time that I did not make things, or work from a sense of desire. Dance was for love. Singing was what I did for money. Art is what I do because I am driven to it.

tim: If you could create any art installation without regard for expense or effort what would it consist of?

lisa:

I would construct a long corridor outside, consisting of a giant, but visually lightweight steel framework. To this I would attach an overhead grid from which would hang thousands and thousands of light, reflective, thin, slightly curved, cut metal elements hanging from fine wires at multiple levels. The installation would go for a block or so in the middle of the country, in the middle of nowhere. The framework and grid would be built over a road with a walkway on either side, so that the installation could either be driven through or walked through. I would hope the way it was assembled would achieve the feeling that I have had when it is raining huge drops of water, when the sun suddenly shines brightly through the raindrops illuminating every one.

tim: why did you choose to work in the medium(s) that you use?

lisa: I was making huge thrown ceramic pieces. I had a baby, and was trying to find a way to continue working with a child to care for. I had tried throwing with him sitting in my lap, only to see a little hand shooting out, trying to catch the clay as it flew by….

I took up jewelry as something smaller and safer that I could easily put down and come back to when my son needed attention.

tim: What are you working on at this time?

lisa: I am making a series of carved white animals. White animals appear throughout most cultures and mythologies as magical symbols, omens or messengers. I carve the animals out of fossil walrus tusk, then set the completed carvings into 18k or 22k. I then accent the set carving with stones and diamonds.

Tim : how do you feel the story the silver gold platinum / ect tells each story of your pieces

Lisa : My work in silver is fun to make. I am lavish with the material as it is not particularly expensive. In silver, I can easily have laugh, make a joke or express a quirky notion through silver.

My gold work is more serious. More thoughtful. Because of the cost of materials, I am forced to be more concise in expressing my thoughts through the metal. The difficulty is in not constraining myself too severely because of price concerns. Not easy to do in this market with the troubled financial state of the planet.

Platinum? I don’t particularly like the material. It is heavy, brittle and easily scratched. A particularly unmalleable material that should be cast for the best effect. Because I fabricate my work, I only use it on request, and almost always on wedding rings. There is a misconception that it is a durable metal. It is not.

I still don’t understand that mindset, as platinum is more than twice the price of gold, and looks like white gold for the most part…..which looks like silver.

When given the option, I will skip the white gold too. I find it to be an invention that is not really much gold at all. To me, white gold possesses all of the warmth of a chunk of lead pipe . Its a miserable material to work with, hard and ungiving. Why not use silver?

tim: what is your studio like? Can you go into detail about your studio routine? Do you work in silence– listen to music

lisa: My studio is tiny. 8′x 10′. I share it with my dryer. I thought it would be temporary, but it has not turned out that way. I have gotten used to it.

I often work in silence. A friend put a tv in there some time ago. I like to sometimes listen to people talk about things while I work. Alternately, I listen to opera, or if I am in a hurry, I turn on hard driving rock and roll.

Breaks consist of me strolling out on the small studio porch to look at the view. Once in a while I walk out, turn up the music and dance for a bit.

I have a clock in the studio, otherwise I would forget the time and end up there until three in the morning.

tim: Do you have any upcoming exhibits? Where readers can view your work? OR .COMS

lisa: I May be exhibiting in Sedona in October, but that is not set yet.

My work can be found through: www.byzantia.com but the site is not complete….typical artist.
I have new work that is now posted in my photos on Myspace
www.myspace.com/minkiemink

tim: favorite words ?

lisa: Oooh…I love the word “Defenestration”….it means to push someone out of a window.

I have also always liked the words: Haricots Verts….That means green beans. For whatever reason, I always thought it was pretty. Oh yeah…”Squirrel”…because it is so difficult to pronounce for non-native english speakers.

tim:least favorite words

lisa: Sigh…”irregardless”…..”disrespect”..when used as a verb…”disrespecting” him…me…whatever. “Baby mama”, “Baby Bump”. Bah!

tim:favorite color/colors to work with

I don’t really have favorite colors, or rather, my favorites change all of the time. Right now, I am liking pale, subtle colors…Its spring after all.

tim …finally do you feel a loss when your work is gone sold given away
ect

lisa: Not at all. For me, all of the magic of a piece is in the making of it. Once I have completed the object, I don’t feel as though it is a part of me any more. I am glad to see it go to someone to whom it will be meaningful. I keep very few pieces.

tim: thank you

lisa: Thank you for taking the time to do this for all of us Tim, and thank you for asking me to participate.

here is lisas myspace page …link
www.myspace.com/minkiemink

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Tim : avec ce que sont votre favori materials/cameras à travailler lisa : Pendant 14 années j’ai travaillé presque exclusivement avec de l’argent. En deux dernières années je me suis déplacé jusqu’à l’or. La mauvaise synchronisation avec le prix augmentant rapidement, mais moi aiment le matériel. Il a une chaleur et une profondeur à lui que l’argent juste ne peut pas tout à fait obtenir à. Je découpe également la défense fossile de morses. J’ai fait la grande échelle sculpter plus tôt dans ma vie. Je vois mon travail en tant que petites sculptures. tim : quels artistes sont vous avez inspiré près lisa : dans ma brosse de Daniel d’amour du champ I, Michael Zobel, prêtre de Linda Kindler, Namu Cho. En dehors de de mon champ, il y a un trop grand nombre à appeler. tim : dites-nous au sujet de votre fond éducatif. Vous avez la formation formelle dans l’art lisa : J’ai été mis en apprentissage chez un sculpteur en pierre ici en Californie quand j’étais dans mes années de l’adolescence. Je suis parti pour la France à l’âge de 17 et me suis occupé du DES de École Nationale Artes Decoratifs à Nice France pour la conception graphique. Je suis revenu à l’Amérique et me suis occupé de l’université de William et de Mary, majoring en psychologie, puis transférée à la vieille université de dominion en Norfolk, VA majoring dans l’art, faisant les sculptures en acier. Beaucoup d’ans après I s’est occupé de l’université de ville de Santa Monica, où j’ai travaillé dans la céramique, ai pris des classes dans le soufflement de verre, et ai gagné une bourse des mentorats. J’ai reçu un diplôme d’UCLA cum Laude en 1992 avec un degré dans la conception…..There, mon emphase étais sur la céramique. J’ai fait à grande échelle les sculptures en céramique avec des accents de raku. Assez étrangement, j’ai seulement pris un cours de nuit d’université de ville de 6 semaines en bijoux. tim : Quand avez-vous décidé de poursuivre l’art ? lisa : Toujours. J’avais projeté être un danseur, j’ai dansé du temps où j’avais 4 ans. J’ai continué de danser jusqu’à ce que j’aie eu autour 17 ans, quand j’ai fait le choix pour se déplacer à l’Europe pour la première fois pour poursuivre l’art. L’Europe a semblé normale car j’avais été envoyé seule en France à 15 pendant un été pour assister à faire cuire l’école par mon père, qui a pensé que je pourrais finir vers le haut en tant que chef. Comme 14 ans vieux, j’avais enseigné les classes de dessin de week-end à de plus jeunes gosses. À 16 ans de vieux, j’ai travaillé les illustrations de dessin pour un journal et plus tard j’ai illustré des livres de cuisine. J’ai fait ma vie pour la première partie de mon vie d’adulte (plus de 21), en tant que chanteur. Première protection de chant en excursions, et puis en tant que chanteur de session sur des albums. Plus tard, j’ai voyagé et ai enregistré avec Tim Hardin, alors je me suis déplacé à l’Europe. Amsterdam, Berlin, où j’ai travaillé en tant que chanteur principal pour deux bandes, enregistrements et tourismes très populaires en Europe pendant les plusieurs années à venir. Quand j’ai stoppé chanter dans les années 80 la fabrication des choses a encore semblé comme la chose la plus évidente pour que je se tourne vers. tim : y a-t-il toute autre chose que vous voudriez nous dire au sujet de votre fond dans le respect à la façon dont votre art a évolué ? lisa : En tant qu’enfant, ma famille a été profondément impliquée des Américains indigènes. Mon oncle a une des plus grandes collections privées d’art américain indigène aux USA. En raison de l’entourage par cet art et cette culture, j’étais souvent sur des réservations ou autour des indiens en tant que petite fille. Les artistes indiens j’ai été fréquemment laissé avec quand j’étais un enfant, ai pris du temps de m’enseigner dehors comment faire des choses, et comment vivre la vie. Dans la culture indigène, l’art est une partie intégrale de vie quotidienne. Je pense que parce que comme un petit gosse j’était ainsi emmêlé avec des Indiens, leurs vies journalières, et cultive il est pourquoi je danse, je chante, je dessine et sculpt. Leurs leçons et exemples sont maintenant pourquoi je fais des bijoux. J’ai jamais vraiment compris pourquoi n’importe qui choisirait une autre manière de la vie leur vie. Une autre influence forte est nature. Pendant un certain temps quand je suis revenu aux USA de l’Europe, j’ai travaillé dans une pépinière d’usine. Un de mes seulement travaux “droits” que j’ai jamais tenus dans ma vie. La couleur, l’équilibre, et la forme étaient des choses que j’ai apprises de travailler avec des usines journalières. Je pense également que travaillant étroitement avec la nature m’a enseigné à essayer et avoir un sens de silence dans mon travail si ce les marques en sentent ? la pièce de tim:this est pour que vous vous demandiez que une question ou écrire à quelque chose le non-sens quelque chose d’amusement que vous voulez aussi longtemps que vous voulez lisa : Je suis toujours fasciné que l’artiste semblent vivre en dehors de du courant principal de la planète, le documentant à partir des bords. Il semble y a une division si forte des personnes qui font et peuple qui montre. Je ne pourrais plus de travail 9 à 5 dans un compartiment que je pourrais m’agiter mes bras et voler. D’autre part, j’ai des amis d’non-artiste qui sont très heureux à leurs travaux, et ne peux pas figurer dehors pourquoi je choisirais de vivre ce qu’ils considèrent une vie “instable”. Naturellement, ils sont ceux qui achètent mes bijoux… tim : pouvez-vous entrer dans le détail au sujet de votre processus artistique ? Comment commencez-vous un morceau ? Quand savez-vous qu’un morceau est fini ? lisa : La plupart des morceaux sont déjà dans ma tête. Le travail doit les prendre hors de mon cerveau et les forcer dans le métal et la pierre. De temps à autre j’extrais un morceau, mais esquissant un morceau hors des marques je sentir comme si j’ai fait une liste de contrôle que je dois suivre. De temps à autre je dessine le travail d’abord, et fais ensuite les schémas multiples avec plusieurs options. J’aime sentir le fluide tandis que je travaille. Je suppose que je pense à chaque morceau que je fais comme prière. Il y a toujours un commencement par milieu et une extrémité. Quand je me sens un équilibre rencontré à l’intérieur de moi en regardant le morceau, je savez que le travail est complet. tim : comment la vie contemporaine effectue-t-elle votre pratique créatrice ? lisa : Je ne vis pas vraiment beaucoup d’une vie contemporaine. Je vis sur un dessus de montagne dans le pays au milieu de la ville de Los Angeles, cinq minutes de la plage. J’ai des poulets, et des chèvres, situées sur un petit ranch. Ma propriété est pleine des arbres fruitiers. Je mets en boîte le fruit en été. Je fais tout le pain et fais cuire au four tous des marchandises cuites au four dans la maison. Tout est fait à partir de zéro ici. Tout comme mes bijoux. Je fais tout du découpage dans mon travail. Les morceaux sont entièrement pas fonte fabriquée. Des résultats sont faits à la main car well.Work est la plupart du temps un, ou quelque- d’une sorte. Je ne suis pas particulièrement contemporain. Néo–néo–luddite est plus comme lui. tim : Dites-nous davantage au sujet de la philosophie derrière votre art. Que vous motive pour créer ? lisa : Je peux ne jamais me rappeler une période que je n’ai pas faite à des choses, ou travaille d’un sens du désir. La danse était pour l’amour. Était le chant ce que j’ai fait pour l’argent. Est l’art ce que je fais parce que je suis conduit à lui. tim : Si vous pourriez créer n’importe quelle installation d’art sans respect pour des dépenses ou l’effort ce qui il se composerait ? lisa : Je construirais un long couloir dehors, se composant d’un géant, mais du cadre en acier visuellement léger. À ceci j’attacherais une grille aérienne dont accrocherait des milliers et des milliers de léger, r3fléchissant, mince, légèrement incurvé, éléments en métal de coupe pendant des fils fins aux niveaux multiples. L’installation irait pour un bloc ou ainsi au milieu du pays, au milieu de nulle part. Le cadre et la grille seraient établis au-dessus d’une route avec un caillebotis de chaque côté, de sorte que l’installation ait pu être conduite à travers ou marchée à travers. J’espérerais que la manière qu’elle a été assemblée réaliserait le sentiment que j’ai eu quand il pleut des gouttes d’eau énormes, quand le soleil brille soudainement brillamment par les gouttes de pluie illuminant chaque. tim : pourquoi avez-vous choisi de travailler dans le medium(s) que vous employez ? lisa : Je faisais les morceaux en céramique jetés énormes. J’ai eu un bébé, et essayais de trouver une manière de continuer de travailler avec un enfant pour s’inquiéter de. J’avais essayé le lancement avec lui s’asseyant dans mon recouvrement, seulement pour voir une petite main tirer dehors, essayant d’attraper l’argile pendant qu’il volait par…. J’ai pris des bijoux en tant que quelque chose de plus petit et plus sûr au lequel je pourrais facilement déposer et revenir quand mon fils a eu besoin d’attention. tim : Que travaillez-vous dessus actuellement ? lisa : Je fais une série des animaux blancs découpés. Les animaux blancs apparaissent dans toutes la plupart des cultures et mythologies en tant que des symboles, des présages ou messagers magiques. Je découpe les animaux hors de la défense fossile de morses, puis place les découpages réalisés dans 18k ou 22k. J’accentue alors l’ensemble découpant avec des pierres et des diamants. Tim : comment vous sentez l’histoire le platine argenté d’or/ect dit chaque histoire de vos morceaux Lisa : Mon travail en argent est amusement à faire. Je suis prodigue avec le matériel car il n’est pas particulièrement cher. En argent, je peux facilement avoir le rire, faire une plaisanterie ou exprimer une notion bizarre par l’argent. Mon travail d’or est plus sérieux. Plus pensif. En raison du coût de matériaux, je suis forcé d’être plus concis en exprimant mes pensées par le métal. La difficulté est en ne se contraignant pas trop sévèrement en raison des soucis des prix. Non facile à faire sur ce marché avec l’état financier préoccupé de la planète. Platine ? Je n’aime pas en particulier le matériel. Il est lourd, fragile et facilement rayé. Un matériel particulièrement unmalleable qui devrait être moulé pour le meilleur effet. Puisque je fabrique mon travail, je l’emploie seulement sur demande, et presque toujours sur des anneaux de mariage. Il y a une idée fausse que c’est un métal durable. Il n’est pas. Je toujours ne comprends pas que la mentalité, comme platine est plus de deux fois le prix de l’or, et ressemble à l’or blanc pour la plupart…..which les ressembler à l’argent. Quand donné l’option, je sauterai l’or blanc aussi. Je le trouve pour être une invention qui n’est pas vraiment beaucoup d’or du tout. À moi, l’or blanc possède toute la chaleur d’un gros morceau de pipe de fil. Son un matériel malheureux à travailler avec, dur et ungiving. Pourquoi ne pas employer l’argent ? tim : à quoi ressemble votre studio ? Pouvez-vous entrer dans le détail au sujet de votre routine de studio ? Vous travaillez dans le silence — écoutez la musique lisa : Mon studio est minuscule. 8′x 10′. Je le partage avec mon dessiccateur. J’ai pensé qu’il serait provisoire, mais il ne s’est pas avéré de cette façon. J’ai obtenu utilisé à lui. Je travaille souvent dans le silence. Un ami a mis une TV dans là il y a une certaine heure. J’aime écouter parfois des gens parle des choses tandis que je travaille. Alternativement, j’écoute l’opéra, ou si je suis pressé, moi tourne conduire dessus dur le rock. Les coupures se composent de moi flânant dehors sur le petit porche de studio pour regarder la vue. De temps à autre je marche dehors, indique la musique et danse pour un peu. J’ai une horloge dans le studio, autrement j’oublierais le temps et finirais vers le haut là jusque à trois le matin. tim : Avez-vous des objets exposés prochains ? Où les lecteurs peuvent regarder votre travail ? OU COMS lisa : Je peux exhiber dans Sedona en octobre, mais cela n’est pas placé encore. Mon travail peut être trouvé à travers : COM de WWW byzantia., mais l’emplacement n’est pas… artiste complet de.typical. J’ai un nouveau travail qui est maintenant signalé en mes photos sur Myspace www.myspace/minkiemink tim : mots préférés ? lisa : Amour d’Oooh… I moyens de Defenestration”….it du mot” de pousser quelqu’un hors d’une fenêtre. J’également ai toujours aimé les mots : Les haricots Verts….That signifie les haricots verts. Pour quelque raison, j’ait toujours pensé elle était joli. D’Oh “Squirrel” ouais…… parce qu’il est si difficile de prononcer pour les anglophones d’origine étrangère. mots de favori de tim:least lisa : “irregardless”…..”disrespect”..when de soupir… utilisé comme verbe… “disrespecting” le… je… quoi que. “maman de bébé”, “bosse de bébé”. Bah ! tim:favorite color/colors à travailler avec Je n’ai pas vraiment des couleurs préférées, ou plutôt, mes favoris changent tout le temps. En ce moment, j’aime des couleurs pâles et subtiles… son ressort après tous. tim… finalement vous sentez une perte quand votre travail est allé a vendu l’ect parti donné lisa : Pas du tout. Pour moi, toute la magie d’un morceau est dans la fabrication d’elle. Une fois que j’ai accompli l’objet, je ne me sens pas comme si c’est une partie de moi plus. Je suis heureux de le voir aller à quelqu’un à qui il sera signicatif. Je garde très peu de morceaux. tim : merci lisa : Merci de prendre le temps de faire ceci pour tous les nous Tim, et merci de me demander de participer.

Antoni Josse is an artist living and working in france Fontaine under Jouy (in Normandy) here is a sellection of his work and interview enjoy

Mark petersen picked Antoine josse to be interviewed by a i a: after an artist gets interviewed they then pick another artist to be interviewed

Metafonik In Concert
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Tim: What are your favorite materials to work with?

Antoine: My favorite materials are plaster, fiber, polystyrene, and clay.

Tim: What artists are you inspired by?

Antoine: Giacometti, Turner, Hopper…

Tim: Tell us about your educational background. Do you have formal training in art?

Antoine: I have a background in visual arts where I earned my DEUG and my CAPES degrees. I am currently teaching at a visual arts college.

Tim: When did you decide to pursue art?

Antoine: Very early on; around the age of 15.

Tim: Is there anything else you would like to tell us about your background in regards to how your art has evolved?

Antoine: My father is a painter and also does etchings, which inevitably has had a strong influence on me!

Tim: This part is for you to ask yourself a question or write something fun for as long as you want.

Antoine: Antoine, without art, will you still be able to live?

Tim: Can you go into detail about your artistic process? How do you begin a piece? When do you know that a piece is finished?

Antoine: I always start by making rough-sketches of my sculptural projects. When I am satisfied by an idea, I make a skeleton out of polystyrene and wire, which I then coat with plaster (sometimes mixed with fibers). The final stage is in adding color to the sculpture.

Tim: How does contemporary life impact your creative practice?

Antoine: I imagine artists as being sponges of information: my day to day life and what surrounds me are the sources of inspiration in my work.

Tim: Tell us more about the philosophy behind your art. What motivates you to create?

Antoine: The passing of time and our place in society are at the crux of my work. What I produce today, will it contribute to a better life tomorrow? Is compromise necessary in order for people to live together? Does a person have to be alone in order to be free? Man is always at the center of my work: his loneliness, his difficulties in communicating, his choices, his place in the world.

Tim: If you could create any art installation without regard for expense or effort what would it consist of?

Antoine: I would make all of the sculptures life-size, so that the visitor is no longer just a spectator but instead becomes part of the work itself.

Tim: Why did you choose to work in the medium(s) that you use?

Antoine: I like the mixture of plaster/fiber because I have come to be very confident in working with it, and today I can freely give shape to my ideas through this medium. I like the earthy colors which give the sculptures a fossil-like aspect.

Tim: What are you working with at this time?

Antoine: I am currently working on the theme of vertical height and the feeling of lightness.

Tim: What is your studio like? Can you go into detail about your studio routine? Do you work in silence? Do you listen to music?

Antoine: I work at home, in my work space. There is a big table, two chairs, a little chimney and a lot of stuff everywhere. There are two paintings drying in a corner, sculptures, works in progress, pieces of cardboard and polystyrene…and my headset! I work to music!

Tim: Do You have any upcoming exhibits? Where readers can view your work? Any websites?

Antoine: Galerie Reg’Art Confrontations (April - Rouen, France). Pop Shop Gallery (beginning May - Sanary sur Mer, France). Concert de Métafonic (May - Paris, France). Galerie Dollita (beginning May - Quiberon-Bretagne, France).

Tim: Favorite words?

Antoine: Melancholy, Tactile, Fragile.

Thank you.

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french version….

tim: what are your favorite materials to work with
-Quels sont les matières avec lesquelles tu préfères travailler?

antoine:Mes matériaux favoris sont le plâtre, la filasse, le polystyrène, l’argile.

tim:what artists are you inspired by
-Quels sont les artistes qui t’inspirent?

antoine:Giacometti, Turner, hopper…

tim:tell us about your educational background. Do you have formal training in art
-Parle nous de ton parcours scolaire, as tu fais des études d’art?

antoine: j’ai fais la Facultés d’Arts Plastiques; j’ai passé mon DEUG et mon CAPES et je suis aujourd’hui professeur d’Arts Plastiques dans un collège.

tim: When did you decide to pursue art?
-Quand as tu décidé de te lancer dans l’art?

antoine: très tôt; dès l’âge de 15 ans.

tim: is there anything else you would like to tell us about your background in regards to how your art has evolved?
-Y a t’il quelque chose de plus que tu voudrais nous dire au sujet de ton éducation qui aurait eu une influence sur la manière dont ton art a évolué?

antoine: Mon père est peintre et graveur… ce qui m’a forcement beaucoup influencé!!

tim:this part is for you to ask yourself a question or write
anything fun nonsense anything you want as long as you want
-Ici, c’est à toi de te poser une question à toi même ou d’écrire quelque chose de marrant de la longueur que tu veux

antoine: Antoine, sans l’art, serais-tu encore vivant?

tim: can you go into detail about your artistic process? How do you begin a piece? When do you know that a piece is finished?
-Peux tu nous donner des détails sur la manière dont tu travailles? Comment commences-tu une oeuvre? Quand est ce que tu te dis “ça y est j’ai fini”?

antoine: Je commence toujours par faire des croquis de mes
projets de sculptures: quand je suis satisfait par l’idée, je réalise un squelette en polystyrène et fil de fer; que je recouvre ensuite de platre (mélangé parfois à de la filasse).
Je me dis que c’est fini que je pose le dernier jus sur la sculpture pour la teinter.

tim:how does contemporary life impact your creative practice?
-Comment la vie contemporaine influe sur ton sens de la créativité?

antoine:J’imagine les artistes comme des éponges à informations: ma vie contidienne et ce qui m’entoure sont des sources d’inspiration pour mon travail.

tim: Tell us more about the philosophy behind your art. What motivates you to create?
-Donne nous plus de détails sur la philosophie de ton art. Qu’est ce qui te motive à créer?

antoine:Le temps qui passe et la place de l’homme dans la société sont les deux axes de mon travail: ce que je produis aujourd’hui, m’aidera’t il à vivre mieux demain? La compromission est-elle le passage obligé de la vis en communauté? Faut-il être seul pour être libre?…
L’homme est toujours au centre de mon travail: sa solitude, sa difficulté à communiquer, ses choix, sa place…

tim: If you could create any art installation without regard for expense or effort what would it consist of?
-Si tu pouvais créer ce que tu voulais, sans aucune contrainte d’argent ou de quoi que ce soit, que ferais tu?

antoine: Toutes les sculptures seraient alors à taille humaine… ainsi le visiteur ne serait plus spectateur mais acteur dans la sculpture.

tim: why did you choose to work in the medium(s) that you use?
-Pourquoi as tu choisis de travailler avec les matériaux que tu utilises?

antoine:J’aime ce mélange plâtre /filasse car aujourd’ui je le maîtrise bien; je peux lui donner l’aspect que je veux: j’aime ces couleurs de terres qui donnent à les sculptures une impression de fossile.

tim lane: What are you working on at this time?
-Sur quoi travailles tu actuellement?

antoine:Je travaille actuellement sur la verticalité et l’impression de légèreté.

tim: what is your studio like? Can you go into detail about your studio routine? Do you work in silence– listen to music
-A quoi ressemble ton atelier?Donnes nous plus de détails sur comment tu y travailles? tu travailles en silence, avec la musique

antoine:Je travaille dans chez moi, dans ma véranda: il y a une grande table, 2 chaises, une petite cheminée et beaucoup de désordre: il y a des tableaux qui sèchent dans un coin, des scultpures, des sculptures en cours de réalisation, des morceaux de carton et de polystyrène… Et mon walkman!! Je travaille en musique!!

tim: Do you have any upcoming exhibits? Where readers can view your work? OR .COMS
-As tu des expositions à venir? Où est ce que les lecteurs peuvent voir ton travail?

Galerie Reg-Art confrontations (Rouen-France) en Avril
Pop shop gallery (sanary sur mer-France) à partir de mai
Concert de Métafonic (Paris-France) en mai
Galerie Dollita (Quiberon-bretagne-France) à partir de mai

tim: favorite words ?
-tes mots préférés?

antoine:Mélancolie, tactile, fragile.

Merci à vous

originally posted on march 23 2008

Nicolas Romanacci is an artist living in bayern Germany

here is a selection of his work and interview enjoy

nataraja
..

twofold (…thinking about us is making me…)
..

systems of passing
..

href=”http://myspacetv.com/index.cfm?fuseaction=vids.individual&videoid=24360983″>elfin
(4sca)
..

beyond (grasp)
..

flight9eve
..

i will update this with more videos later
—————

Tim: is m’illumino d’immenso your first and last name ?

nicolas:
You refer to the text beside my profile photo:

“M’illumino
d’immenso”

It is a poem by the italian author Giuseppe Ungaretti, entitled “Mattina”. As a very raw literal translation might work something like:

“Dawn

Enlighten myself
through immense”

For sure the quality of the original text is not translatable, but I guess, the sense is clear.

In this interview, I will try to give some further informations beyond personal views, so the readers might have some inspiration and insights.

The quality of Giuseppe Ungaretti’s poems is very inspiring and important for my work, so let me say a few words about it. Ingeborg Bachman did a wonderful translation of Ungaretti into German. At the end of her additional text she writes (hope my translation into english and the whole text will work, please excuse possible fancifulnesses):

“… With this “living voice” he begins to speak, mostly at a “normal level”: “at home, in egypt…” or: “which regiment are you from, brothers?” … But yet we find ourselves abruptly at a much higher level or in a drama - like in the poem “brothers” - without being able to explain, how we did get there.”

Somehow this is one of the main qualities I do like much also in general. Trying to express something “unexpressable” with simple forms, without any technical overstatement or any other “additional” tricks. That does not mean at all, that technical aspects are not important, far from it, they are central, but the crucial point for me is, that the connection between technical aspects of a work and its matter must fit together in a very direct and subtle way.

As a little compensation for this part - because offering a italian poem and a bumbling english - one poem from W.C. Williams, who reminds me in some way of the “simpleness” of Ungaretti. It might also stand for a basic approach to my work and life.

“Coda

Beating heart
feather
of wing and breast

to this
bleakness
antithetical

In love
dear love, my love
detail is all”

——————————–

Coming back to your first question: “m’illumino d’immenso” might work as a nice “artist-name” but I simply prefer my own: Nicolas Romanacci

tim: what are your favorite materials/cameras to work with

nicolas:
time, light, sound and movement (of things and bodies) are basically the materials I work with. This isn’t ment to give a fancy answer. I mentioned “time” first and later “sound”, because my basic approach to art comes from making music since the age of six. I started doing images around 1991 - and “movement” became a very important point for me through studying free and formal calligraphy for six years, in very close relation to beginning “Aikido” around the same time.

As a camera I really like my Nikon FM2 very much (”she” works without any battery, a pure mechanical, very aesthetic object), but as I hinted above, I am not at all interested in technical aspects for their own sake, and therefore I don’t have any problem by doing my actual pieces (images and my video-pieces) with my mobile phone. Also in calligraphy I did some of my most important pieces (for me) not with an expensive japanese brush, but with empty match-boxes.

tim: what artists are you inspired by

nicolas :
Some artists mean a lot to me and inspired me deeply. But the inspiration was always more related to the approaches of these artists, less with trying to imitate or proceed their work.

The first artist who touched my soul and mind - and still does more and more - in a profound and amazing way is the composer J.S. Bach. I remember very well that the first piece I really loved playing with my guitar was the “suite no. 1 for lute in E minor”. It was something totally different from anything I had played before at that time. The music of Bach still is. I like the instrumental pieces mostly. I “started” “classical” with listening to the recordings of Glenn Gould, especially the “Goldberg Variationen”, still my favourite pieces are Bach’s “little” compositions called “Inventions”. My recent discovery is the pianist Craig Sheppard. I recommend him deeply to any Bach-Lover. He blew my mind. I also recommend Paolo Pandolfo’s recordings with the viola di gamba, more common known as played with the cello. Bach’s music inspires my in several ways. The polyphonic structure (the structure of many “voices”) of his music creates an amazing ambiguity that makes it impossible to follow every line of the music. That might be one reason for the easiness of his music, but for sure, this easiness is combined with a certain power and elegance and emotional fineness and richeness that is touching me in an “awe-ful” way. (see the wonderful blog on this expression from “Paine Pazu” (http://www. myspace. com/tag_thecybergeisha) (with finest thoughts to her): “…ANOTHER QUESTION: music that moves - ‚awe’-ful music. The Romantic / Gothic era (poets, artists, authors, etc) uses the word and concept, ’awful’ not with the negative connotations it carries today (’’OMG, you got puked on? that’s awful!’’) but more in the sense of something or someone that inspires and causes awe. Awe-inspiring. Awe-ful. Makes you tremble, makes you terrible (again to mean, filled with beautiful terror and trepidation…”)

The first visual artist who touched me, and did alone for a long time without being really interested in any other artist was Francis Bacon. I could also write a lot about him (and the following artists), but for the readability of the interview I will reduce my answers to central points.): For me, Bacon’s work is always about the awareness of death. This profound awareness makes you able to feel the immense beauty of every moment and without this awareness it would be somehow superficial. Bacon itself said in an interview (I think it was in the series with David Sylvester, I didn’t found it right now) that therefore his work is very positive even if it seems to be negative, and that most people don’t understand that. He also said that he wants to let his paintings affect directly the nervous system of the viewer. And he wants his paintings not to be illustrative, narrative, documentary or anything else. Though he seems to paint figures, his painting isn’t also “figurative” at all. I know no painter who achieved that very difficult way of expression like he does. I still can’t explain why some paintings of Bacon do attack my mind so much. Especially because I understand very well that some people find his paintings atrocious.

As I said, after Bacon I wasn’t interested for a long time in any other visual artist, because at that time the awareness of death also seemed to be the most important fact for me to give a reason for making art. And somehow it still is.

For that reason, I think other visual artists (not Bach!) at that time gave me only superficial impressions, if I was interested at all in them.

At that time I also started making images. Only black and white and without any other influences (that was around 1991-1992, mainly in Paris). I often walked for hours alone through the streets of Paris, listening to the Goldberg Variations …

After school I decided to learn carpenter (after having started studying philosophy and being lecturer for guitar, indeed it was kind of a strange decision for the people around me, and maybe also for myself, but a very important one that changed my approach to material and reality, besides being simply able to make some furniture) … and after that I went to an “academy for “Gestaltung” (somehow the word for design, but it is something different, I don’t like the word design very much) for craftmen”, was a very important time for me. I had wonderful teachers, especially my calligraphy teacher (he later was my Prof. at the university) and Prof. Faust for “Gestaltung”, who became later on Art Professor in Cleveland and now works at the Istituto Europeo di Design in Milan. He is an amazing person, a great cook and he introduced us in a genial way to the work of Joseph Beuys (genial especially because at that academy had been only craftmen! who mostly even haven’t heard his name, or thought he was only a clown, and Beuys is in general a difficult artist, easy to misinterpret, I think) … Was very important. For me, to say it very short, Beuys is important for his investigations in the connection between nature and men. And, my connection to Bacon for sure his experience with nearly dying in the war and being “reanimated” through natives, a wonderful story, and I think one important clue to his work.

At the “Akademie für Gestaltung im Handwerk” we did a lot exercises based on Josef Albers “interaction of color” what was of immense importance for my approach to color. At that time we also went to amazing exhibitions of Dan Flavin and Donald Judd, which I both admire for their subtle use of material, color and the related space.

Do adore also the “quiet” and subtle ones (what is the reason for the force of their work): Giorgio Morandi (who else managed it having only two “subjects” (paessaggio and natura morta, landscape and so to say always the same three bottles) and doing variations on that of an incredible fineness. Also Robert Ryman does a similar wonder of reduction in painting only with white color. His exhibition in munich 2001 totally blew me away. Never seen again so many nuances, gradations and variations of one color. That exhibition was one of the most important for me.

As having studied calligraphy I adore Cy Twombly so much. Also his sculptures are amazing. They have been shown 2006 in munich, also a unforgetable experience.

The second musician who deeply influenced me and still does is John Cage. Above all I was inspired by interviews with him, the little book is called “For the Birds” (Merve Verlag) especially his considerations on zen. Through him the experience, that “silence is not empty” came like a shock to me, my awareness of any sound I owe to him. Also love his humorous way (also Beuys was very funny!). Also the awareness of the beauty of chance and uniqueness of every single moment is an immense gift he offers. You find some nice interviews with him on youtube, two also linked on my profile. Loved that exhibition in Berlin about the “9 evenings exhibition” where John Cage took part. (New York on my mind…)

Beside that I read really a lot, but this might be rather a theme for a whole book …
all my money goes away for books … you can find some authors on my profile, if you like

tim: tell us about your educational background. Do you have formal training in art

nicolas :
had music lessons for around 20 years (guitar)
the mentioned “Akademie für Gestaltung im Handwerk” in munich
did my Diploma in communication-design. main: free and formal calligraphy and audio-visual media
studied photography and visual communication at the ISIA Urbino in Italy (very important time)

right now:
Master of Arts “Bildwissenschaft” (image science) and “MediaArtHistories” at the Danube-University Krems in Austria (near Vienna), extremely important for me.

tim: When did you decide to pursue art?

nicolas :
around 1991. as I mentioned, my first approach to art had been grounded by the awareness of death. I guess, one can’t speak of a decision thus, it was a need. And still is. Maybe there is only one theme, after all. But detail and variation matters …

tim: is there anything else you would like to tell us about your background in regards to how your art has evolved?

nicolas :
I always did not force anything. So for example did I stop doing images for somehow ten years after 1992 (because I felt for me that with my black and white images there will be no developement for me) and started again in Italy not until 2003. I like things to come. And you need very much “input” before doing the next substantial step. And the input can come from various sources, so music exercises could inspire my calligraphy and so on. This approach is very much influenced through my experimental work in calligraphy, you give the impulse, but things need to happen “on their own”. Also my Aikido lessons are from deepest importance. (there is a lovely book on the relations between calligraphy and Aikido from Kazuaki Tanahashi).

tim:this part is for you to ask yourself a question or writeanything fun nonsense anything you want as long as you want

nicolas :
Want to thank all the people here who noticed my work. Strange experience for me, ’cause I really did do my work mainly for me and strange enough never really felt a need to show it. But now it is a wonderful feeling to become some coments and I learned for me that maybe there is no real good reason to hide things away. I also discovered your work here, Tim, did tell you why I like it a lot, hope through this interview gave you some more reasons, why the quality of your pieces attacks me. Hollis Brown Thornton’s work I do also like a lot. And especially I owe so much to all these subtle lines and more from London. It means more to me, than I could express. All my thanks, from the hard.

/// /// ///

My deepest love for the girl who is going to be the mother of our child.

/// /// ///

tim: can you go into detail about your artistic process? How do you begin a piece? When do you know that a piece is finished?

nicolas:
In general: I rather do my pieces somehow “in one act”. But to come to the right point when this act can happen is a very subtle and evanescent thing. Naturally doing compositions for guitar need much longer investigation than doing an image (with the camera) or cutting a video-piece, but the need for the “right” feeling is somehow the same. Without it, I hardly can work on a piece. Right know I see my video-pieces as my main and most “me” way of expression. Somehow I found here my own “thing”. Here I can combine different aspects of composition, image, sound and movement (I feel that pieces directly related to my calligraphic work, strange as it may seem). To come to the right point of beginning and the “final details” is always a very intense feeling, a rare and wonderful state.

tim: how does contemporary life impact your creative practice?

nicolas :
For sure, you can say, everything impacts my work. But to be more specific: I am not so much interested in political or any other “themes”. I think, that for example making people aware of the beauty of life through making them aware of the omnipresence of death may effect deeper changes than making any kind of “statement” or so. After all, for me these subtle and profound ways of offering possibilities for reflections are much more “political” in a real way than forcing people into some concepts. So I would say in an extreme formulation, that also Giorgio Morandi’s work is in a radical way very political, just by showing us the uniqueness of a certain bottle in a certain light with a certain technic on a certain day … I think, if you understand the uniqueness of every bottle at a certain moment you really don’t need anyone to tell you something about the uniqueness of every person (sad enough that there is a need to tell people about that) …

tim: Tell us more about the philosophy behind your art. What motivates you to create?

nicolas :
I guess I already gave an answer about my basic motivation. But another very important point for me are the philosophical aspects of art. I always had the feeling, that art is a form of understanding in a profound way and was writing on that theme. I found the clue to this very complex theme through my actual study of “image science”. The main author here for me is Nelson Goodman (all my thanks to my philosophy professor Klaus Sachs-Hombach, who introduced my to the philosophy of Goodman), who’s philosophy is incredibly rich of insights with a awe-ful clearness and also good humored. He besides many other things showed the epistemological function of art better than any other author. I will base my Master thesis on his philosophy. He also said, that because the arts definitely enrich our understanding of our world, or more radically, they create our worlds (like the sciences), we need to change our educational system. That is a big and very important theme. I started a research project on that, called educational turn, see:

http://www. educational-turn. org

the website is only a little beginning, but you can find some links, also on Media Art and if you like to my person.

tim: If you could create any art installation without regard for expense or effort what would it consist of?

nicolas :
being able to show my images … and create an installation space for my videos. most important point would be the sound. ideal would be one room for each video. the size of the image is not so important, I don’t like these esaggerated pieces, if it is not related to the image itself. hm, the technic team of James Coleman would be fine. The installation space at the documenta 12 for the piece “retake with evidence” with Harvey Keitel was an incredible experience.

tim: why did you choose to work in the medium(s) that you use?

nicolas :
As I said, I never forced anything. First, to buy me a camera when I was twenty was a thing, I just “knew” I need to do it. But starting calligraphy later on was really by chance (through my teacher Prof. Heitman). I always also felt I will work as an artist with “moving-images” (while studying we did many video-pieces, but more “narrative” ones), but it happened - again more by chance - through the possibilities with my mobile phone, I wouldn’ have thought that at all by myself if anyone had told me that before.

tim: What are you working on at this time?

nicolas:
mainly on my video-pieces. really dare to have more time for composition. but this is very difficult, because it really needs much time and silence.

And my philosophical investigations on Nelson Goodman are from greatest importance.

tim: what is your studio like? Can you go into detail about your studio routine? Do you work in silence– listen to music

nicolas:
videos and images: mainly just the reality around me

for calligraphy I need silence and very good prepared material to enable real experiment and experience

for playing guitar, doing exercises or composition I really need even more silence (also metaphorically)

tim: Do you have any upcoming exhibits? Where readers can view your work? OR .COMS

nicolas:

video-pieces: on myspace under “nicolasrom”

http://vids. myspace. com/index. cfm?fuseaction=vids. channel&ChannelID=213556725

some compositions for guitar:

http://www. myspace. com/niccolasrom

research project “educational turn”:

http://www. educational-turn. org

images and other things on my profile:

http://www. myspace. com/nicolasrom

in April will have one image at an exhibition (final round of the “celeste artprize”) in Berlin, see:

http://www. celestekunstpreis. de/

I will be in Berlin at april 5. and 6. Would be fine to meet someone at the exhibition.

text on Media Art, also from other students:

http://mediaarthistories. blogspot. com/

see especially:
art and education
art and philosophy

tim: favorite words ?

nicolas:
… every word is amazing … again “detail is all …”
I love reading, also inventing names etc.

e.g. “educational turn”

The MediaArtHistories courses are in english.

I discovered and liked a lot:
“wired”
invented: “you awkward dwarf”

so, it depends. sounds funny. but the native speakers haven’t been so sure if it would be the right thing to say to your girlfriend. but with the right sound, it might

somehow, my favourite lines:

“… and I grew up
Foster’d alike by beauty and by fear”

William Wordsworth., The Prelude (I, 265-266)

tim:least favorite words

nicolas:
-

tim:favorite color/colors to work with

nicolas:
for me every color is amazing, … “detail is all…”

but, somehow I could say that “white” is my favourite color, because it is most “open” for variation through light or other “neighbour” colors … only watch your walls in your room and you can experience various variations, it will be never “one” white. Remember the exhibition of Robert Ryman.

tim …finally do you feel a loss when your work is gone sold given away

nicolas:
would never give away some pieces, for no money of the world.
Especially my “three brush strokes” calligraphy or my Polaroid Tryptich that I made at the former monastery Santa Chiara in Urbino, Italy, and others.

tim: thank you nicolas.

nicolas:

Tim, thank you a lot. Again: your request for this interview made me think about the fact that I had not done a new piece for a while … so at the next morning it happened that I made the piece “systems of passing”. Thank you for your attention, your work and inspiration.

take care

please leave nicolas
comment
to go to nicolas’s myspace page click here

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french version

i use altavista babblefish for the translation the sorry if the french isnt perfect
enjoy

——-

Tim : le d..immenso de m..illumino est-il votre premier et dernier nom ? nicolas : Vous vous référez au texte près de ma photo de profil : “d..immenso de M..illumino” C’est une poésie par l’auteur italien Giuseppe Ungaretti, intitulé “Mattina”. Comme une traduction littérale très brute pourrait fonctionner quelque chose comme : “aube Éclairez-vous par immense ” Pour sûr la qualité du texte d’original n’est pas traduisible, mais je devine, le sens est certain. Dans cette entrevue, j’essayerai de fournir quelques autres informations au delà des vues personnelles, ainsi les lecteurs pourraient avoir quelques inspiration et perspicacités. La qualité des poésies de Giuseppe Ungaretti est très inspirante et importante pour mon travail, ainsi m’a laissé dire quelques mots à son sujet. Ingeborg Bachman a fait une traduction merveilleuse d’Ungaretti dans l’Allemand. À la fin de son texte additionnel elle écrit (espérez que ma traduction en anglais et le texte entier fonctionnera, satisfera les fancifulnesses possibles d’excuse) : “… Avec cette “voix de vie” il commence à parler, la plupart du temps “à un niveau normal” : “à la maison, en Egypte…” ou : “dont le régiment sont vous, des frères?” … Mais pourtant nous trouvez-vous abruptement à un niveau beaucoup plus élevé ou dans un drame - des “frères” comme dans poésie - sans pouvoir expliquer, comment nous y sommes arrivés.” De façon ou d’autre c’est l’une des qualités principales que j’aime beaucoup également en général. Essayant d’exprimer quelque chose “unexpressable” avec les formes simples, sans toute exagération technique ou tous autres tours “additionnels”. Cela ne signifie pas du tout, ce les aspects techniques ne sont pas importants, loin de lui, ils sont centraux, mais le point crucial pour moi est, que le raccordement entre les aspects techniques d’un travail et sa matière doit s’adapter ensemble d’une manière très directe et subtile. Comme peu de compensation pour la présente partie - parce qu’offrant une poésie italienne et un anglais gaffant - une poésie de W.C. Williams, qui me rappelle d’une manière quelconque le “simpleness” d’Ungaretti. Il pourrait également se tenir pour une approche de base à mon travail et vie. “Coda Plume battante de coeur d’aile et de sein à cette tristesse antithétique Dans le cher amour d’amour, mon détail d’amour est tout ” Revenir à votre première question : le “d’immenso de m’illumino” pourrait fonctionner comme “artiste-nom” gentil : -) mais je préfère simplement mes propres : Nicolas Romanacci tim : avec ce que sont votre favori materials/cameras à travailler nicolas : le temps, la lumière, le bruit et le mouvement (des choses et des corps) sont fondamentalement les matériaux que je travaille avec. Ce n’est pas ment pour donner une réponse de fantaisie. J’ai mentionné le “temps” d’abord et plus tard “bruit”, parce que ma approche de base à l’art vient de faire la musique depuis l’âge de six. J’ai commencé à faire des images autour de 1991 - et le “mouvement” est devenu un point très important pour moi en étudiant la calligraphie libre et formelle pendant six années, dans la relation très étroite à “Aikido” commençant autour du même temps. En tant qu’un appareil-photo I vraiment comme mon Nikon FM2 beaucoup (”elle” travaille sans n’importe quelle batterie, objet mécanique et très esthétique pur), mais comme j’ai laissé entendre en haut, moi suis pas du tout intéressé par des aspects techniques dans leur propre intéret, et donc je n’ai aucun problème en faisant mes morceaux réels (des images et mes vidéo-morceaux) avec mon mobilophone. En outre dans la calligraphie j’ai fait certains de mes morceaux plus importants (pour moi) pas avec une brosse chère de Japonais, mais avec les boîtes d’allumettes vides. tim : quels artistes sont vous avez inspiré près nicolas : Quelques artistes veulent dire beaucoup à moi et inspiré me profondément. Mais l’inspiration toujours davantage a été liée aux approches de ces artistes, moins avec l’essai d’imiter ou procéder leur travail. Le premier artiste qui ont touché mon âme et l’esprit - et toujours fait de plus en plus - d’une manière profonde et étonnante est le compositeur J.S. Bach. Je me rappelle très bien que le premier morceau que j’ai vraiment aimé jouer avec ma guitare était le “numéro 1 de suite pour le luth dans le mineur de E”. Il était quelque chose totalement différente de quelque chose que j’avais joué avant à ce moment-là. La musique de Bach est toujours. J’aime les morceaux instrumentaux la plupart du temps. I “a commencé” “classique” avec écouter les enregistrements de Glenn Gould, particulièrement le “Goldberg Variationen”, toujours mon favori que les morceaux sont petites “compositions de Bach les” appelées les “inventions”. Ma découverte récente est le pianiste Craig Sheppard. Je le recommande profondément à n’importe quel Bach-Amoureux. Il a soufflé mon esprit. Je recommande également des enregistrements de Paolo Pandolfo avec l’alto di gamba, plus commun connu sous le nom de joué avec le violoncelle. La musique de Bach inspire mes dedans plusieurs manières. La structure polyphonique (la structure des beaucoup de “exprime”) de sa musique crée une ambiguïté étonnante qui des marques il impossible de suivre chaque ligne de la musique. Ce pourrait être une raison de la facilité de sa musique, mais pour sûr, cette facilité est combinée avec une certaine puissance et l’élégance et la finesse et le richeness émotifs qui me touche dans “intimident-ful” la manière (voyez le blog merveilleux sur cette expression de “Paine Pazu” (http://www. myspace. com/tag_thecybergeisha) (avec les pensées les plus fines à elle) : “… une autre QUESTION : musique qui se déplace - “musique awe..-ful. Ère romantique/gothique (poèts, artistes, auteurs, etc..) emploie le mot et le concept, .. terrible ’pas avec les connotations négatives qu’il porte aujourd’hui (..’OMG, avez-vous obtenu vomi dessus ? c’est terrible!’’) mais plus dans le sens de quelque chose ou quelqu’un qui inspirent et des causes intimident. Intimider-inspirer. Intimidez-ful. Des marques vous tremblez, des marques vous terrible (encore pour signifier, rempli avec la belles terreur et agitation…”) Le premier artiste visuel qui m’a touché, et a fait pendant longtemps sans être vraiment intéressé par n’importe quel autre artiste seul était Francis Bacon. Je pourrais également écrire beaucoup au sujet de lui (et des artistes suivants), mais pour la lisibilité de l’entrevue je ramènerai mes réponses aux points centraux.) : Pour moi, le travail du lard est toujours au sujet de la conscience de la mort. Cette conscience profonde vous rend capable sentir l’immense beauté de chaque moment et sans cette conscience elle serait de façon ou d’autre superficielle. Lard lui-même dit dans une entrevue (je pense qu’elle était de la série avec David Sylvester, je ne l’ai pas trouvé en ce moment) que donc son travail est très positif même si il semble être négatif, et que la plupart des personnes ne comprennent pas cela. Il a également dit qu’il veut a laissé ses peintures affecter directement le système nerveux de la visionneuse. Et il veut que ses peintures ne soient pas d’illustration, narratives, documentaire ou toute autre chose. Bien qu’il semble peindre des figures, sa peinture n’est pas également “figurative” du tout. Je ne connais aucun peintre qui a réalisé cette manière très difficile d’expression comme il . Je ne peux pas encore expliquer pourquoi quelques peintures de lard attaquent mon esprit tellement. Particulièrement parce que j’ai appris très bien que certains trouvent ses peintures atroces. Comme I dit, après que le lard je n’ait été intéressé pendant longtemps dans aucun autre artiste visuel, parce qu’à ce moment-là la conscience de la mort a également semblé être le fait le plus important pour que je donne une raison de faire l’art. Et de façon ou d’autre elle est toujours. Pour cette raison, je pense d’autres artistes visuels (pas Bach !) à ce moment-là m’a donné seulement les impressions superficielles, si j’étais intéressé du tout dans elles. À ce moment-là j’ai également commencé à faire des images. Seulement noir et blanc et sans toutes autres influences (qui était autour 1991-1992, principalement à Paris). J’ai souvent marché pendant seules des heures par les rues de Paris, écoutant les variations de Goldberg… Après qu’école que j’ai décidé d’apprendre que le charpentier (ensuite ayant commencé à étudier la philosophie et à être conférencier pour la guitare, en effet c’était genre de décision étrange pour le peuple autour de moi, et peut-être aussi pour me, mais très important qui a changé mon approche en matériel et réalité, sans compter que pouvoir simplement faire quelques meubles)… et ensuite pour que je suis allé chez une “académie pour” Gestaltung “(de façon ou d’autre le mot pour la conception, mais lui est quelque chose de différent, je n’aiment pas la conception de mot beaucoup) craftmen”, était un temps très important pour moi. J’ai eu les professeurs merveilleux, particulièrement mon professeur de calligraphie (il était plus tard mon prof. à l’université) et le prof. Faust pour “Gestaltung”, qui est devenu plus tard sur le professeur d’art à Cleveland et fonctionne maintenant chez Istituto Europeo di Design à Milan. Il est une personne étonnante, un grand cuisinier et il nous a présentés d’une manière réconfortante au travail des Beuys de Joseph (réconfortants particulièrement parce qu’à cette académie avait été craftmen seulement ! qui la plupart du temps égal n’a pas entendu son nom, ou pensé il était seulement un clown, et les Beuys est en général un artiste difficile, facile à mal interpréter, je pense)… Était très important. Pour moi, pour le dire sous très peu, les Beuys est important pour ses investigations dans le raccordement entre la nature et les hommes. Et, mon raccordement au lard pour sûr son expérience avec mourir presque dans la guerre et être “reanimated” par des indigènes, une histoire merveilleuse, et je pense un indice important à son travail. Au l’”für Gestaltung im Handwerk d’Akademie” nous avons fait beaucoup des exercices basés sur Josef Albers “interaction de couleur” ce qui était d’immense importance pour que mon approche colore. À ce moment-là nous sommes également allés aux expositions stupéfiantes de Dan Flavin et de Donald Judd, qu’I tous les deux admirent pour leur usage subtile de matériel, de couleur et de l’espace relatif. Adorez également les “tranquilles” et subtiles (ce qui est la raison la force de leur travail) : Giorgio Morandi (qui l’a contrôlé autrement ayant seulement deux “soumet” (morta de paessaggio et de natura, paysage et ainsi à la parole toujours les mêmes trois bouteilles) et faisant des variations sur cela d’une finesse incroyable. En outre Robert Ryman fait une merveille semblable de réduction de peindre seulement avec la couleur blanche. Son exposition à Munich 2001 m’a totalement soufflé parti. Jamais non revu tant de nuances, de gradations et de variations d’une couleur. Cette exposition était une des plus importante pour moi. Comme après avoir été étudié la calligraphie j’adore Cy Twombly tellement. En outre ses sculptures sont étonnantes. Elles ont été montrées 2006 à Munich, aussi une expérience unforgetable. Le deuxième musicien qui m’a profondément influencé et toujours est camp de John. Surtout j’ai été inspiré par des entrevues avec lui, le petit livre est réclamé “les oiseaux” (Merve Verlag) particulièrement que ses considérations zen dessus. Par lui l’expérience, ce “silence n’est pas vide” est venue comme un choc à moi, ma conscience d’aucun bruit que je lui dois. Aimez en outre sa manière pleine d’humour (également les Beuys étaient très drôles !). En outre la conscience de la beauté de la chance et de l’unicité de chaque seul moment est un immense cadeau qu’il offre. Vous trouvez quelques entrevues gentilles avec lui sur le youtube, deux également liés sur mon profil. A aimé cette exposition à Berlin au sujet de “de l’exposition 9 soirées” où le camp de John a participé. (New York sur mon esprit…) Près de celui j’ai lu vraiment beaucoup, mais ceci pourrait être plutôt un thème pour un livre entier… : -) tout mon argent part pour des livres… que vous pouvez trouver quelques auteurs sur mon profil, si vous aimez tim : dites-nous au sujet de votre fond éducatif. Vous avez la formation formelle dans l’art nicolas : des leçons a eu musique pendant environ 20 années (guitare) que l’”für mentionné Gestaltung im Handwerk d’Akademie” à Munich a fait mon diplôme dans la force de communication-design. : la calligraphie libre et formelle et les médias audiovisuels ont étudié la photographie et la communication visuelle à l’ISIA Urbino en Italie (temps très important) en ce moment : Maître des arts “Bildwissenschaft” (la science d’image) et “MediaArtHistories” à l’Danube-Université Krems en Autriche (près de Vienne), extrêmement importante pour moi. tim : Quand avez-vous décidé de poursuivre l’art ? nicolas : autour 1991. comme j’ai mentionné, ma première approche à l’art avait été fondue par la conscience de la mort. Je devine, un ne peux pas parler ainsi d’une décision, il étais un besoin. Et est toujours. Peut-être il y a seulement un thème, après tous. Mais le détail et la variation importe… tim : y a-t-il toute autre chose que vous voudriez nous dire au sujet de votre fond dans le respect à la façon dont votre art a évolué ? nicolas : Je toujours n’ai forcé rien. tellement par exemple je cesse de faire des images pendant de façon ou d’autre dix années après 1992 (parce que j’ai senti pour moi cela avec mon noir et les images blanches là ne serai aucun developement pour moi) et commencé encore en Italie pas jusqu’en 2003. J’aime des choses pour venir. Et vous avez besoin beaucoup “entré” avant de faire la prochaine étape substantielle. Et l’entrée peut venir de diverses sources, ainsi les exercices de musique pourraient inspirer ma calligraphie et ainsi de suite. Cette approche est tout d’abord influencée par mon travail expérimental dans la calligraphie, vous donnez l’impulsion, mais les choses doivent se produire “toutes seules”. En outre mes leçons d’Aikido sont de l’importance la plus profonde (il y a un beau livre sur les relations entre la calligraphie et l’Aikido de Kazuaki Tanahashi). la pièce de tim:this est pour que vous vous demandiez que une question ou un non-sens writeanything quelque chose d’amusement que vous voulez aussi longtemps que vous voulez nicolas : Voulez remercier toutes les personnes ici qui a noté mon travail. Une expérience étrange pour moi, cause de .. je vraiment ai effectué mon travail principalement pour moi et assez étrange a jamais vraiment senti un besoin de le montrer. Mais maintenant c’est un sentiment merveilleux à devenir quelques coments et j’ai appris pour moi que peut-être il n’y a aucune vraie bonne raison de cacher des choses loin. J’également ai découvert votre travail ici, Tim, vous ai dit pourquoi je l’aime beaucoup, espoir par cette entrevue vous ai donné encore plus de raisons, pourquoi la qualité de vos morceaux m’attaque. Travail de Hollis Thornton brun que j’aime également beaucoup. Et particulièrement je dois tellement à toutes ces lignes subtiles et à plus de Londres. Elle signifie plus à moi, que moi pourrait exprimer. Tous mes mercis, du dur. ///////// Mon amour plus profond pour la fille qui va être la mère de notre enfant. ///////// tim : pouvez-vous entrer dans le détail au sujet de votre processus artistique ? Comment commencez-vous un morceau ? Quand savez-vous qu’un morceau est fini ? nicolas : En général : Je fais plutôt mes morceaux de façon ou d’autre “dans un acte”. Mais venir au bon point quand cet acte peut se produire est une chose très subtile et évanescent. Naturellement faisant les compositions pour la guitare ont besoin d’une recherche beaucoup plus longue que faisant une image (avec l’appareil-photo) ou coupant un vidéo-morceau, mais le besoin de “bon” sentiment est de façon ou d’autre identique. Sans lui, j’à peine peux travailler à un morceau. La droite savent que je vois mes vidéo-morceaux en tant que ma force et la plupart “je” manière d’expression. De façon ou d’autre j’ai trouvé ici mes propres “chose”. Je peux combiner différents aspects de composition, d’image, de bruit et de mouvement (j’estime que les morceaux directement liés à mon travail calligraphique, étrange en tant que lui peuvent sembler). Venir au bon point de commencer et “des détails finals” est toujours un sentiment très intense, un état rare et merveilleux. tim : comment la vie contemporaine effectue-t-elle votre pratique créatrice ? nicolas : Pour sûr, vous pouvez dire, tout effectue mon travail. Mais pour être plus spécifique : Je ne suis pas tellement intéressé par “thème” politique ou aucun autre. Je pense, cela par exemple qui met au courant des personnes de la beauté de la vie en les mettant au courant de l’omniprésence de la mort peut effectuer des changements plus profonds que faisant n’importe quel genre de “rapport” ou ainsi. Après tout, pour moi ces manières subtiles et profondes d’offrir des possibilités pour des réflexions sont beaucoup davantage “politiques” d’une vraie manière que forçant des personnes dans quelques concepts. Ainsi je dirais dans une formulation extrême, ce également travail de Giorgio Morandi est d’une manière radicale très politique, juste en nous montrant l’unicité d’une certaine bouteille dans une certaine lumière avec une certaine technique un certain jour… Je pense, si vous comprenez l’unicité de chaque bouteille à un certain moment où vous vraiment n’avez pas besoin de n’importe qui pour vous indiquer quelque chose au sujet de l’unicité de chaque personne (assez triste qu’il y a un besoin de dire des personnes à ce sujet)… tim : Dites-nous davantage au sujet de la philosophie derrière votre art. Que vous motive pour créer ? nicolas : Je devine que j’ai déjà donné une réponse au sujet de ma motivation de base. Mais un autre point très important pour moi sont les aspects philosophiques de l’art. J’ai toujours eu le sentiment, cet art est une forme d’arrangement d’une manière profonde et écrivait sur ce thème. J’ai trouvé l’indice à ce thème très complexe par ma étude réelle de l’”science d’image”. L’auteur principal ici pour moi est le goodman du Nelson (tous mes mercis à mon professeur Klaus Sachs-hombach de philosophie, qui a présenté le mon à la philosophie du goodman), qui a la philosophie est incroyablement riche des perspicacités avec intimident-ful la clarté et également bon câlinées. Il sans compter que beaucoup d’autres choses a montré la fonction epistemological de l’art mieux que n’importe quel autre auteur. Je baserai ma thèse principale sur sa philosophie. Il a également dit, cela parce que les arts enrichissent certainement notre arrangement de notre monde, ou plus radicalement, ils créent nos mondes (comme les sciences), nous doivent changer notre système d’éducation. C’est un grand et très important thème. J’ai lancé un projet de recherche sur cela, appelé tour éducatif, vois : org de http://www. educational-turn. le site Web est seulement commencer, mais vous pouvez trouver quelques liens, aussi sur l’art de médias et si vous aimez à ma personne. tim : Si vous pourriez créer n’importe quelle installation d’art sans respect pour des dépenses ou l’effort ce qui il se composerait ? nicolas : pouvoir montrer mes images… et créer un espace d’installation pour mon videos. que la plupart de point important serait l’idéal sain serait une pièce pour chaque vidéo la taille de l’image n’est pas aussi important, je n’aime pas ces derniers esaggerated des morceaux, si on ne le lie pas à l’image elle-même. le hm, l’équipe de technique de James Coleman serait bon. L’espace d’installation au documenta 12 pour le morceau “reprise avec l’évidence” avec Harvey Keitel était une expérience incroyable. tim : pourquoi avez-vous choisi de travailler dans le medium(s) que vous employez ? nicolas : Comme I dit, je n’ai jamais forcé n’importe quoi. D’abord, pour m’acheter que un appareil-photo quand j’avais vingt ans était une chose, I juste “a su que” je dois la faire. Mais commencer la calligraphie était plus tard vraiment par hasard (par mon prof. Heitman de professeur). Je me suis toujours également senti que je travaillerai en tant qu’artiste avec des “déplacer-images” (tout en étudiant nous faisions beaucoup de vidéo-morceaux, mais plus “récit” ceux), mais il s’est produit - encore plus par hasard - par les possibilités avec mon mobilophone, wouldn de I ’ont pensé que du tout par me si n’importe qui m’avait indiqué cela avant. tim : Que travaillez-vous dessus actuellement ? nicolas : principalement sur mon de video-pieces. défi vraiment il est très difficile d’avoir plus de temps pour la composition mais ceci, parce qu’il a besoin vraiment de beaucoup d’heure et de silence. Et mes investigations philosophiques sur le goodman du Nelson sont de la plus grande importance. tim : à quoi ressemble votre studio ? Pouvez-vous entrer dans le détail au sujet de votre routine de studio ? Vous travaillez dans le silence — écoutez la musique nicolas : videos et images : principalement juste la réalité autour de moi pour la calligraphie j’ai besoin de silence et de matériel disposé très bon pour permettre la vraies expérience et expérience pour jouer la guitare, faisant les exercices ou la composition j’ai besoin vraiment de bien plus de silence (aussi métaphorique) tim : Avez-vous des objets exposés prochains ? Où les lecteurs peuvent regarder votre travail ? OU COMS nicolas : vidéo-morceaux : sur le myspace sous le “nicolasrom” http://vids. myspace. com/index. cfm?fuseaction=vids. channel&ChannelID=213556725 quelques compositions pour la guitare : http://www. myspace. com/niccolasrom projet de recherche “tour éducatif” : org de http://www. educational-turn. images et d’autres choses sur mon profil : http://www. myspace. com/nicolasrom en avril aura une image à une exposition (le rond final du “celeste artprize”) à Berlin, voient : http://www. celestekunstpreis. De Je serai à Berlin chez avril 5. et 6. Soyez bien pour rencontrer quelqu’un à l’exposition. texte sur l’art de médias, aussi d’autres étudiants : COM de http://mediaarthistories. blogspot. voyez particulièrement : art et art et philosophie d’éducation tim : mots préférés ? nicolas : … chaque mot est étonnant… encore “détaillent est tout…” J’aime la lecture, inventant également les noms etc… par exemple. “tour éducatif” : -) Les cours de MediaArtHistories sont en anglais. J’ai découvert et ai aimé beaucoup : “a câblé” inventé : “vous nain maladroit” ainsi, il dépend des bruits drôles mais les naturels n’ont pas été si sûrs si ce serait la bonne chose à dire à votre petite amie mais avec le bon bruit, il pourraient : -) de façon ou d’autre, mes lignes de favori : “… et j’ai grandi Foster’d de même par beauté et par la crainte ” William Wordsworth., Le Prélude (I, 265-266) mots de favori de tim:least nicolas : - tim:favorite color/colors à travailler avec nicolas : pour moi que chaque couleur est étonnant… “détail est tout…” mais, de façon ou d’autre je pourrais dire que le “blanc” est ma couleur de favori, parce qu’il est les la plupart “s’ouvrent” pour la variation par la lumière ou l’autre montre “voisine” de couleurs… seulement vos murs dans votre chambre et vous peut éprouver de diverses variations, il ne sera jamais “un” blanc. Rappelez-vous l’exposition de Robert Ryman. tim… finalement vous sentez une perte quand votre travail est allé s’est vendu donné loin nicolas : ne donnerait loin jamais quelques morceaux, pour aucun argent du monde. Particulièrement ma “trois calligraphie balayent courses” ou mon Tryptich polaroïd que j’ai faits à l’ancienne monastère Santa Chiara à Urbino, Italie, et d’autres. tim : merci des nicolas. nicolas : Tim, merci beaucoup. Encore : votre demande de cette entrevue m’a incité à penser au fait que je n’avais pas fait un nouveau morceau pendant un moment… ainsi au matin suivant il s’est produit que j’ai fait le morceau “systèmes du dépassement”. Merci de votre attention, de votre travail et d’inspiration. faites attention

originally posted on march 5 2008

a i a interviewed Melletios Kyriakidis and after a i a interviews the artist . the artist then picks another artist to interview and he picked James Gulliver Handcock
..

artist interviewing artist JAMES GULLIVER HANCOCK

james is an artist based in La and nyc

here is his work and interview

a i a : I will update this with vids later

tim: what are your favorite materials/cameras to work with

JAMES : I’m constantly drawing, and have done from when I was really small, I feel nervous if I don’t have a pencil in my hand. Though once I’ve drawn I like to collage the drawings, photocopy them, print them with silkscreen, and sometimes scan them into the computer for finishing. I also explore a lot of other mediums, like animation, sculpture etc. I really like jumping across mediums and taking ideas wherever they go, collage becomes sculpture, becomes photo, becomes animation, it’s all part of a process.

tim: what artists are you inspired by

JAMES : So many! and it changes all the time, but there is a running theme of technical views of the world mixed with poetry and obsession and paranoia. I studied technical drawing and am constantly torn between being tight and being loose - straight lines that wiggle.

tim: tell us about your educational background. Do you have formal training in art

JAMES : I actually studied Visual Communications, which gave me a really strong technical knowledge and developed my eye for layout etc. Luckily the course (University of Technology, Sydney) was fairly free and open towards the end and I ended up doing courses at the art school as well, and managed to start to mingle art and design together.

tim: When did you decide to pursue art?

JAMES : I feel like I’ve always been making art, even when I was a kid playing with brother doing “happenings” together, and drawing collaboratively, and then drawing on the walls when I was a teenager. I was always thinking laterally and driven to make things for myself and an audience. However I guess I really started pushing the Visual art and image making side of my practice in 2002 just after I left university and when my friends and I started a gallery in sydney (space3.org) that opened my eyes to a whole community I’d been craving.

tim: is there anything else you would like to tell us about your background in regards to how your art has evolved?

JAMES : I think the main thing is this relationship between art and design, this control next to freedom. Travel has also played a big part, I have travelled scince I was young, including going overland from sydney to london via Russia. This movement really changes your perception of the world and your place in it. Being a part of other people’s contexts gives you so much to draw from. Recently this constant displacement has meant I’ve worked in all sorts of wierd situations, on people’s beds, on busses, in people’s cars, waiting in train stations/airports. I really respond to this, there is a kind of urgency and lack of distraction, procrastination really seems to go out the window in these environments for me. It’s also interesting creating work with limited resources.

tim:this part is for you to ask yourself a question or write
anything fun nonsense anything you want as long as you want

JAMES :

tim: can you go into detail about your artistic process? How do you begin a piece? When do you know that a piece is finished?

JAMES : It’s different for every medium, but I almost always start with drawing, even if it’s a sculpture, video, print, painting… It’s always hard to start but once you start putting stuff down I love to have big pads of paper and just fill it with everything around the idea I’m working on, developing up a world of stuff I can draw from as the project develops. I’m always worried that there are other ways to do things I’ve done, so I never really feel something is finished, but usually there are gaps in activity, where I feel my self step back and make minor changes, around then I know it’s getting close.

tim: how does contemporary life impact your creative practice?

JAMES : All the time, it’s around us right, I’m constantly drawing all the objects I find that fill my life, and like I said this relationship to airports, and other transport means I’ve moved around a lot and the situations arriving from this kind of contemporary life has meant I draw and make in different ways than I would of if I’d just stayed home on the farm. Though I do miss the farm!

tim: Tell us more about the philosophy behind your art. What motivates you to create?

JAMES : My work is concerned with confusions of perception and embraces personal subjectivity. Born to psychologist parents I draw from the (over) analysis of hyperchondria, obsession, and hyper-awareness. I love playing with philosophies, reading texts I half understand and developing them into imagery. I recently read some Deleuze and it explained so much (I think…). It’s funny because sometimes works get explained in retrospect, you’ll make something and you’re not sure why, but then when it’s done you’ll read something and the whole semi-formed philosophy comes together and you fall back in love with a finished work. I love that feeling.

tim: If you could create any art installation without regard for expense or effort what would it consist of?

JAMES : I guess it’s kind of been done, but I loved the stop motion animations and sets from sesame street when I was a kid and ever since I’ve wanted to make massive letters and things. I’ve recently been working with a musician here in L.A. on set designs and we’ve made a lot of large scale drawings of creatures, but I really want to carve some huge fonts out of styrene, so big there’s no room for anyone to watch.

tim: why did you choose to work in the medium(s) that you use?

JAMES : i haven’t chosen one, I play across whatever I want. Though drawing isn’t a choice, we have a hand and pen and paper seem like the most natural objects to get ideas out initially.
.

tim: What are you working on at this time?

JAMES : Right now I’ve got a lot on. I’m doing a conceptual piece for a furniture company, where we’re trying to come up with visualisations of a new philosophy for how we build buildings.

tim: what is your studio like? Can you go into detail about your studio routine? Do you work in silence– listen to music

JAMES : Only recently has it not been other people’s bedrooms, or cars, or airplane tray tables… i just got a couple of desks going where I’ve got all my stuff out, pencils, papers, computer, inks, water colour, digital stuff, printers … Ultimately I’d love to have the Francis Bacon style studio with stuff strewn everywhere, just massive piles of images and crap everywhere that you can pick up and use and collage all the time, over and over. As for routine, I usually work best early in the morning or late at night, unless I’m right into a project, I seem to procrastinate in the middle of the day. Music distracts me, I’ll reach the end of a day and realise I’ve sat in silence listening to the world outside.

tim: Do you have any upcoming exhibits? Where readers can view your work? OR .COMS

JAMES : always stuff going on at my website - www.jamesgulliverhancock.com

My illustration work is also represented by -
www.jackywinter.com

There’s a couple of shows coming up towards the end of the year, keep your eye on my website for updates. . .

tim: favorite words ?

JAMES : Random ones, inserted without context, plucket out of the bucket of my brain, for no apparent reason. Or people’s names, that I don’t really know that pop culture has inserted in there via the radio/tv/internet.

tim:least favorite words

JAMES :

tim:favorite color/colors to work with

JAMES : All colours should live together in harmony, but they don’t some of them hate each other.

tim …finally do you feel a loss when your work is gone sold given away
ect
JAMES : Not initially, when I’ve finished a piece i’m usually happy to get rid of it, it’s not untill a while later that I look through photos and see a piece that I no longer have that I have a bit of a pang to have it back. That just makes me make more stuff though, so it’s good.

tim: thank you JAMES

click here for JAMES GULLIVER HANCOCK myspace page.

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tim:
i wrote and posted this interview from a park bench in the sun hmm thats nutty internet everywhere ?

french version i use a translator web page sorry if it is not all correct french

—–

tim : avec ce que sont votre favori materials/cameras à travailler JAMES : Je tire constamment, et ai fait de quand j’étais vraiment petit, je me sens nerveux si je n’ai pas un crayon dans ma main. Bien qu’une fois que je m’ai dessiné aimiez au collage les schémas, photocopiez-les, imprimez-les avec silkscreen, et les balayent parfois dans l’ordinateur pour finir. J’explore également beaucoup d’autres médias, comme l’animation, la sculpture etc… J’aime vraiment sauter à travers des médias et prenant des idées partout où elles disparaissent, le collage devient sculpture, devient photo, devient animation, il est toute la partie d’un processus. tim : quels artistes sont vous avez inspiré près JAMES : Tellement beaucoup ! et il change toute l’heure, mais il y a un thème courant des vues techniques du monde mélangé à la poésie et l’hantise et la paranoïa. J’ai étudié le schéma technique et le AM constamment déchiré entre être serré et être lâche - les lignes droites qui agitent. tim : dites-nous au sujet de votre fond éducatif. Vous avez la formation formelle dans l’art JAMES : J’ai étudié réellement les communications visuelles, qui m’ont donné des connaissances techniques vraiment fortes et ont développé mon oeil pour la disposition etc… Heureusement le cours (université de technologie, Sydney) était assez libre et ouvert vers l’extrémité et moi a fini vers le haut de faire des cours à l’école d’art aussi bien, et parvenu à commencer à mélanger l’art et à concevoir ensemble. tim : Quand avez-vous décidé de poursuivre l’art ? JAMES : Je me sens comme j’avais toujours fait l’art, même lorsque j’étais un gosse jouant avec le frère faisant des “événements” ensemble, et avais dessiné en collaboration, et alors avais dessiné sur les murs quand j’étais un adolescent. Je pensais toujours latéralement et conduit pour faire des choses pour me et une assistance. Cependant je devine que j’ai vraiment commencé à pousser l’art et l’image visuels faisant le côté de ma pratique en 2002 juste aprés l’université gauche de I et quand mes amis et moi avons commencé une galerie à Sydney (space3.org) qui a ouvert mes yeux à une communauté entière que je implorant. tim : y a-t-il toute autre chose que vous voudriez nous dire au sujet de votre fond dans le respect à la façon dont votre art a évolué ? JAMES : Je pense que la chose principale est ce rapport entre l’art et la conception, cette commande à côté de la liberté. Le voyage a également joué un grand rôle, j’ont le scince parcouru que j’étais jeune, y compris aller sur terre de Sydney à Londres par l’intermédiaire de la Russie. Ce mouvement change vraiment votre perception du monde et de votre endroit dans elle. Être une partie des contextes d’autres vous donne tellement à l’aspiration de. Récemment ce déplacement constant a signifié que j’ai travaillé dans toutes les sortes de situations de wierd, sur les lits des personnes, sur des autobus, dans des voitures des personnes, attendant dans le train stations/airports. Je réponds vraiment à ceci, il y a un genre d’urgence et le manque de distraction, temporisation semble vraiment sortir la fenêtre dans ces environnements pour moi. Il intéresse également créant le travail avec les ressources limitées. la pièce de tim:this est pour que vous vous demandiez que une question ou écrire à quelque chose le non-sens quelque chose d’amusement que vous voulez aussi longtemps que vous voulez JAMES : tim : pouvez-vous entrer dans le détail au sujet de votre processus artistique ? Comment commencez-vous un morceau ? Quand savez-vous qu’un morceau est fini ? JAMES : Il est différent pour chaque milieu, mais je commence presque toujours par le dessin, même si c’est une sculpture, vidéo, copie, peignant… Il est toujours difficile de commencer mais une fois que vous commencez à mettre l’amour I de substance vers le bas pour avoir de grandes garnitures de papier et de suffisance juste il avec tout autour de l’idée que je travaille dessus, se développant vers le haut d’un monde de substance je peux tirer de pendant que le projet se développe. Je suis toujours inquiété qu’il y ait d’autres manières de faire des choses que j’ai faites, ainsi je me sens jamais vraiment quelque chose est finie, mais habituellement il y a des lacunes dans l’activité, où je sens mon art de l’auto-portrait se reculer et faire les changements mineurs, autour alors je savent qu’il devient étroit. tim : comment la vie contemporaine effectue-t-elle votre pratique créatrice ? JAMES : Toute l’heure, elle est autour de nous bien, je dessine constamment tous les objets je trouve qui remplissent ma vie, et comme moi dit ce rapport avec des aéroports, et d’autres moyens de transport que je me suis déplacés autour beaucoup et les situations arrivant de ce genre de vie contemporaine a signifié que je dessine et fais dans différentes manières que je de si je juste resté à la maison à la ferme. Bien que je manque la ferme ! tim : Dites-nous davantage au sujet de la philosophie derrière votre art. Que vous motive pour créer ? JAMES : Mon travail est concerné par des confusions de perception et embrasse la subjectivité personnelle. Soutenu aux parents de psychologue je tire (plus de) de l’analyse du hyperchondria, de l’hantise, et de la hyper-conscience. J’aime jouer avec des philosophies, en lisant la moitié des textes I comprenez et en les développant en langage figuré. J’ai récemment lu un certain Deleuze et il a expliqué tellement (je pense…). Il est drôle parce que parfois les travaux obtiennent expliqués dans la rétrospection, vous fera quelque chose et vous n’êtes pas sûr pourquoi, mais quand elle est faite vous puis lirez quelque chose et la philosophie entière de semi-finale-formed vient ensemble et vous tombez amoureuse en arrière d’un travail fini. J’aime ce sentiment. tim : Si vous pourriez créer n’importe quelle installation d’art sans respect pour des dépenses ou l’effort ce qui il se composerait ? JAMES : Je devine que c’est genre de fait, mais j’ai aimé les animations de mouvement d’arrêt et des ensembles de rue de sésame quand j’étais un gosse et depuis que j’ai ai voulu faire les lettres et les choses massives. J’avais récemment travaillé avec un musicien ici dans L.A. sur des conceptions d’ensemble et nous avons fait beaucoup des schémas à grande échelle des créatures, mais je veux vraiment découper quelques polices énormes hors du styrène, si grand il n’y a aucune pièce pour que n’importe qui observe. tim : pourquoi avez-vous choisi de travailler dans le medium(s) que vous employez ? JAMES : je n’ai pas choisi un, je joue à travers celui que je veuille. Bien que le schéma ne soit pas un choix, nous faisons sembler une main et un stylo et un papier comme les objets les plus normaux avoir des idées dehors au commencement. tim : Que travaillez-vous dessus actuellement ? JAMES : En ce moment j’ai beaucoup dessus. Je fais un morceau conceptuel pour une compagnie de meubles, où nous essayons de proposer des visualisations d’une nouvelle philosophie pour la façon dont nous construisons des bâtiments. tim : à quoi ressemble votre studio ? P